Московский драматический театр имени А. С. Пушкина

Московский драматический театр имени А. С. Пушкина

«Театральная Россия» представляет спектакли Московского драматического театра имени А. С. Пушкина

Год рождения Драматического театра имени Пушкина — 1950. Его первым художественным руководителем был назначен Василий Васильевич Ванин. Известный и талантливый актер театра и кино, народный артист СССР, трижды Лауреат Сталинской (Государственной) премии, Василий Ванин в основе репертуарной политики театра видел русскую классику и современную отечественную драматургию. Человек талантливый и целеустремленный, Ванин, со всем присущим ему энтузиазмом и упорством, принялся строить свой театр.

21 октября 1950 года состоялась премьера первого спектакля «Из искры» Ш. Дадиани — о молодости Сталина. Через несколько дней вышел еще один спектакль — психологическая драма «Украденное счастье» Ивана Франко. В 1951 году Ванин поставил музыкальный спектакль «Джон – солдат мира» Ю. Кроткова о судьбе певца Поля Робсона и «Свадьбу Кречинского» А. Сухово-Кобылина, где сыграл свою последнюю роль — Расплюева. «Расплюев у Ванина необычайно смешон и жалок, но вместе с тем и страшен. Страшен своим бездонным цинизмом, своей готовностью на любую подлость» (Б. Медведев). Этот спектакль был настолько популярен, что на его основе впоследствии был снят художественный фильм-спектакль. В планах режиссера были «Борис Годунов» и «Капитанская дочка», где он хотел сыграть Пугачева. Но этому не суждено было сбыться, в 1952 году Василий Ванин умер. За год он успел выпустить пять спектаклей. Спектакль для детей «Аленький цветочек» по сказке Аксакова с неизменным успехом идет до сих пор!

С 1952 по 1953 годы пост главного режиссера театра занимал народный артист СССР Борис Александрович Бабочкин. Фантастический талант Бабочкина не укладывался в рамки актерского амплуа, а колючий и острый характер не позволял навязывать ему стиль и манеры времени. Так, став руководителем театра, он пригласил режиссера Алексея Дикого на постановку спектакля «Тени» по пьесе М. Салтыкова-Щедрина, где сыграл одну из своих лучших ролей – Клаверова. Это был спектакль смелой образности, яркого сценического рисунка. Его долго не решалась выпустить цензура. Комиссия за комиссией в этом остром и блестящем спектакле видела не «проклятое прошлое», а слишком живое и узнаваемое настоящее. «Режиссерское мастерство А. Дикого помогло наполнить спектакль такой ощутимой плотью и кровью, таким подлинным ароматом эпохи, которые дают и точное зрительское представление о ней, и большое эстетическое наслаждение» (А. Солодовников). После ухода Бабочкина из театра спектакль “Тени” много лет шел в Театре имени Пушкина с огромным успехом.

С 1953 по 1960 годы театром руководил народный артист СССР Иосиф Михайлович Туманов. Событием в театральной жизни Москвы стал спектакль «Иванов» (режиссер — М.О. Кнебель, художник — Ю. Пименов, 1955 г.), в котором Б.А. Смирнов блестяще сыграл роль Иванова. Режиссер Кнебель, воссоздавая на сцене эпоху 80-х годов, берет чеховского героя как бы в перспективе будущего. Перед лицом новых, наступающих времен Иванов судит себя. «Иванов Б. Смирнова не ноет, не жалуеется, не хандрит. Он беспощадно казнит самого себя. Казнит с полной душевной откровенностью, трогательно и честно… В исполнении роли Лебедева В. Чирковым произошло счастливое совпадение актерского дарования, вкуса, стиля и манеры игры актера с требованиями роли» (М. Строева).

Этапными в жизни театра стали спектакли «Мария Тюдор» В. Гюго (1957 г.), «Деревья умирают стоя» А. Касона (1958 г.), «Трасса» И. Дворецкого (1959 г.) режиссера Туманова, «Игрок» Ф.М. Достоевского, «Как важно быть серьезным» О. Уайльда (1957 г.), «Изгнание блудного беса», «Доброй ночи, Патриция!» (1960 г.) режиссера Н.В. Петрова. В них были заняты гениальные Ф.Г. Раневская, О.А. Викландт, Б.П. Чирков, Г.А. Яниковский, А.П. Шатов, А.К. Мягких, М.Н. Названов, М.М. Кузнецова, Н.К. Прокопович.

Марина Кузнецова, заслуженная артистка РСФСР, за много лет работы в Театре имени А.С. Пушкина создала на сцене целую галерею замечательных женских портретов –Прелестная Лидочка в “Свадьбе Кречинского”, красавица Бобырева в “Тенях”, романтичная Джен в “Марии Тюдор”, Патриция в спектакле “Доброй ночи, Патриция!”, Мария в “Дневнике женщины”, Ланская в спектакле “Доктор Вера”… Марина Кузнецова наделяла своих персонажей очаровательной женственностью, неотразимым обаянием, щедро делясь с ними своей красотой и талантом.

Фаина Раневская, народная артистка СССР, пришла в Театр имени Пушкина по приглашению Туманова. Любимица публики, яркая, талантливая, неординарная Раневская проработала здесь почти десять лет. Фаина Георгиевна играла монашку в спектакле «Изгнание блудного беса» А.Н. Толстого. Она создала сложнейшую роль Антониды Васильевны в “Игроке” Ф.М. Достоевского — роль, удивительно подходившую азартному таланту актрисы. В спектакле “Деревья умирают стоя” А. Касоны она сыграла роль еще одной бабушки — доньи Эухении. «Я полюбила характер моей героини — нежный и в то же время необычайно твердый, решительный в самые трагические моменты жизни», — писала Раневская.

В 1960 году в театр пришел народный артист России Борис Иванович Равенских. С его именем связана эпоха высокой романтики в истории театра. Фанатично преданный искусству, Равенских был истовым художником и абсолютно свободным человеком. Его театр — яркий, пластичный, страстный — невозможно представить себе без музыки. Для него словно не существовало условностей советского строя, серой будничной текучки. Равенских любил показать человека в момент высочайшего напряжения всех его душевных сил, выбирая репертуар не по моде, а по себе. В каждой постановке Равенских была не только мысль, но и страсть. Спектакль строился на ярких вспышках — «моментах истины», словно освещавших истинный характер персонажей. Меньше всего Равенских был бытовым режиссером, правдоподобие касалось только человеческих чувств. Критики писали, что Равенских всегда ставил своих героев перед дилеммой «жить лучше» или «быть лучше», заставляя каждого занять определенную позицию. Сам режиссер свой взгляд на театр сформулировал так: «…задача искусства, театра – будить в человеке поэтический взгляд на мир, привносить в жизнь дух активного творчества… Только самое главное, философски обобщенное и образно точное. Как в поэзии. Так мыслю суть театра я». В его спектаклях блистали работы таких мастеров сцены, как Л.О. Гриценко, Л.А. Скопиной, Ю.И. Аверина, Л.С. Антонюк, А.И. Кочеткова, заслуженных артистов РСФСР С.К. Бубнова, Н.К. Прокоповича, С.А. Боброва. С его именем связано открытие таланта Т. Лякиной, Ю. Горобца, Л. Маркова, В. Носика, А. Локтева, В. Алентовой, Н. Поповой, Н. Марушиной, Р. Вильдана.

Работу в театре имени А.С. Пушкина Равенских начал постановкой «Свиных хвостиков» — непритязательной комедии Я. Дитла, спектаклем, наполненным искрометным фейерверком режиссерских трюков. Вскоре состоялась премьера спектакля «День рождения Терезы» Г. Мдивани: спектакль о Кубе был сочинен за 28 дней и поставлен буквально на одном дыхании. В 1962 г. состоялась премьера спектакля «Романьола» Л. Скурацина. Режиссер попытался в этой постановке нащупать ключ к поэтическому театру (специально для театра Михаил Светлов делал литературную обработку текста). «При скупости обстановки на сцене, как драгоценность и свет, не изысканные, а яркие, пламенеющие линии, не «простые», а острые и беспокойные линии И. Сумбаташвили» (Н. Велехова). Равенских создал спектакль об итальянских Ромео и Джульетте 20 века, об их прекрасной и трагической любви в мире, расколотом фашизмом на два враждующих лагеря. Народный артист СССР Леонид Марков сыграл Микеле — молодого крестьянского парня, которого огромная трагическая любовь превращает в художника.

Народная артистка СССР Лилия Гриценко сыграла в «Романьоле» юродивую Доменику. Ее мистическая героиня — женщина, чье сердце пыталось и не могло вместить войну, она знает все, что будет, потому что все уже было, и она сама — скорбная память человечества, трагический символ Женщины в войне. Обворожительная, чувствительная, с прекрасным певческим голосом Л. Гриценко создала драматичные образы в спектаклях Равенских: темпераментной Терезы (”День рождения Терезы”), Катерины (”Метель”), и многие другие. Обаяние ее женственности очаровывало публику, а беззащитность ранила, создавая вокруг героинь Гриценко поле трагедии.

«Поднятая целина» М. Шолохова (1965 г) — спектакль, в котором соединились все лучшие черты творческой индивидуальности Равенских: эпический размах, песенность, романтическая приподнятость, чеканная скульптурность мизасцен, безудержность фантазии. Решительная правда образов спектакля — в их удивительной человечности, в их отходе от плакатности, прямолинейности, в трогательных чудачинках Нагульнова (А. Кочетков), в мальчишеской доверчивости Давыдова (Ю. Горобец), в робкой испуганности Варюхи (Т. Лякина), в неожиданной красоте Тимошки (А. Локтев)… Трагический и экспрессивный образ Макара Нагульного в спектакле создал народный артист России Афанасий Кочетков, в котором Равенских сразу же увидел «своего» артиста, способного сочетать естественность сценического существования и театральную яркость. В его спектаклях Кочетков сыграл жестокого графа Гарденги («Романьола»), сложнейшую роль героя Испании Сыроварова («Метель»). После ухода Равеских, Кочетков остался в Театре Пушкина, играя в спектаклях Б. Толмазова, Н. Петрова, О. Ремеза.

«Дни нашей жизни» (1966 г). — то щемяще-грустное, то залихватски-радостное прочтение Равенских пьесы Леонида Андреева. Художники Е. Коваленко и В. Кривошеина создали удивительно красивую, какую-то ликующе-праздничную Москву. На фоне этой Москвы режиссер устроил на сцене пикник студентов, с песнями, плясками, неуемным восторгом. В этом спектакле сыграл свою первую роль — офицерика Миронова — народный артист России Валерий Носик. Это был настоящий фейерверк трюков, придуманных режиссером и блистательно сыгранных. На роль фон Ранкена, олицетворяющего в спектакле «Дни нашей жизни» жестокое торжество сильных мира сего, Равенских пригласил народного артиста РСФСР Юрия Аверина. Великолепный голос, яркий талант в сочетании с «барской» сценической внешностью Аверина, обрекли его на частое исполнение ролей отрицательного плана, но даже в них артист умел увидеть человеческие черты. Юрий Аверин проработал в Пушкинском много лет, сыграв роли Степана в «Метели», Ратленда в «Сокровище», Бенкендорфа в «Последних днях», Мюллера в «Судьбе человека»…

Роль аптекарша Евдокии Антоновны — женщины сколь несчастной, столь же и страшной — в спектакле «Дни нашей жизни» сыграла народная артистка РСФСР, лауреат Государственной Премии Ольга Викландт. Актриса отважно смешивала жанры, играя то ярко комедийно, то горько, прорываясь драмой в крике-стоне: «Пожалейте меня!». Викландт проработала в театре Пушкина более тридцати лет. Создала целый ряд ярких, запоминающихся образов, таких, как Анна («Украденное счастье»), Евгения Дмитриевна Сурогина («Большая мама»), Марфа («Невольницы»), Старая хозяйка Нискавуори («Каменное гнездо»), Фрекен Оливия («Сочная вырезка для фрекен Авсениус») и многие другие.

Свой спектакль по роману Н. Островского «Как закалялась сталь» Равенских назвал «Драматическая песня» (1971 г.). В названии спектакля выразилась не только идея режиссера, но и его способ мышления. Равенских создал поэму о поэте. Он смещал даты, фантазировал тексты. Целые сцены шли вообще без слов — спектакль говорил музыкой, пластикой, светом. «Равенских в этом спектакле не признает ни пастельных красок, ни полутонов. Пользуясь сочной, контрастной светотенью, он смело делит действующих лиц на два мира — бойцов и строителей новой жизни и их заклятых врагов. Режиссер как бы воскрешает гневный лозунг революции «Кто не с нами, тот против нас!» (Б. Берман). «Драматическая песня» — последняя постановка Равенских в Театре имени Пушкина. Его позвали главным режиссером в Малый.

С 1971 по 1978 годы театром руководил народный артист РСФСР, лауреат Государственной премии СССР Борис Никитич Толмазов. Талантливый, яркий актер, успешно начавший заниматься режиссурой с легкой руки Николая Охлопкова, Борис Толмазов создал такие спектакли, как “Большая мама”, “Легенда о Паганини”, “Последние дни”, “Каменное гнездо”, “Без вины виноватые “ и другие. Его лучшие постановки в Театре имени Пушкина отличала пластичность, музыкальность, поэтичность и оптимизм мироощущения.

Особое место в биографии Бориса Толмазова занимает спектакль “Судьба человека” (1975 г.) по повести Михаила Шолохова. Это был удивительно искренний спектакль. Простыми, почти скупыми режиссерскими средствами достигалось ощущение драматической глубины человеческого характера, выдержавшего поединок с войной. Афанасия Кочеткова в роли Андрея Соколова отличали «напряженная внутренняя жизнь и необычайная сдержанность ее проявления». (Р. Вартепов).

При Толмазове в Пушкинском театре работали интересные молодые режиссеры — Светлана Врагова (”Пятый десяток” А. Белинского (1978 г.) и ”Ждем человека” Р. Солнцева (1979 г.) и Алексей Говорухо. Молодого режиссера, недавно закончившего ГИТИС, пригласил в Театр имени Пушкина Борис Толмазов. Один из первых его спектаклей на сцене Пушкинского — «Невольницы» А. Островского (1972 г.) с Верой Алентовой в роли Евлалии, поставленный режиссером в комедийном ключе, — сразу вызвал большой интерес. А нашумевший спектакль “Разбойники” Ф. Шиллера (1975 г.) упрочил репутацию Алексея Говорухо как остросовременного, яркого режиссера. Напор, бешеный ритм, смелые мизансцены. Режиссер не давал шиллеровским героям времени на риторику и высокопарность. «Режиссер выбивает пьедесталы из-под всех идей и героев, но заведомо отказывается толковать их как конечные» (В. Иванов). Среди заметных спектаклей Говорухо тех лет: «Мужчины, носите мужские шляпы», А. Хмелика (1976 г.), «Жил-был Я» А. Штейна (1978 г.), «Дети солнца» М. Горького (1979 г.).

В 1979 г. Алексей Яковлевич Говорухо становится главным режиссером театра. Самым ярким спектаклем этого периода стала «Оптимистическая трагедия» Вс. Вишневского (1981 г.). Главные роли блестяще сыграли вошедшие в труппу театра Александр Пороховщиков и Светлана Мизери. «В Комиссаре Светланы Мизери все исключительно, от нее как бы исходит энергия, ее облик разногранен. Незаурядный дар актрисы, ученицы Охлопкова, нуждается именно в таком, монументально-трагедийном материале» (Н. Велехова).

В этот период с Театром имени Пушкина сотрудничали режиссеры И. Райхельгауз (”Пришел мужчина к женщине”, 1981 г.), Л. Танюк («Кафедра», 1981 г.), И. Сиренко и Э. Эгадзе (”Месье Амилькар платит”, 1982 г.), Ю. Мочалов («Закон вечности», 1982 г. ), С. Яшин («Сочная вырезка для фрекен Авсениус», 1982 г.), В. Спесивцев («Там, у далекой реки», 1983 г.).

С 1983 по 1987 годы главным режиссером был Борис Афанасьевич Морозов, народный артист России, заслуженный деятель искусств РФ. За пять лет Борису Морозову удалось вернуть Театру имени Пушкина популярность. Спектакли Морозова были интересно придуманы, чувства героев правдивы, мизансцены по-театральному эффектны и оригинальны. Морозов много и успешно ставил современных драматургов, сделав их пьесы основой репертуара и главной приманкой для зрителей.

Романтическая приподнятость, зрелищность и метафоричность присущи лучшим работам этого режиссера: «Мотивы» М. Ворфоломеева (1983 г.), «Луна в форточке» Р. Феденева по ранним произведениям М. Булгакова, «Я — женщина» В. Мережко (1984 г.), «День Победы среди войны» по пьесе И. Гаручавы и П. Хотяновского, повествовавшей о создании Седьмой симфонии Шостаковича в блокадном Ленинграде (1985 г.), «Иван и Мадонна» А. Кудрявцева с замечательным артистом Георгием Бурковым в главной роли. Интересный пластический спектакль по М. Метерлинку «Обручение» (1984 г.) поставил Г. Мацкявичус.

Замечательный, талантливый, по-настоящему народный артист Георгий Бурков пришел в Театр имени Пушкина по приглашению Бориса Морозова. Он сыграл здесь всего две роли. Обаятельного проходимца Беламота в спектакле «Луна в форточке» и Ивана в спектакле «Иван и Мадонна». Его Иван — простой мужичок, среди многочисленных баек которого есть история об одной немке, у которой в войну он принимал роды, и которую потом закрыл собой от гранаты. А байка оказалась правдой, и высокая государственная награда нашла героя. Бурков играл Ивана удивительно, без пафоса и фальши. Он твердо верил в торжество добра. И помогал поверить в это зрителям.

С 1987 по 2000 годы театр возглавлял народный артист РСФСР Юрий Иванович Еремин. Обжигающая искренность его постановок всегда обращена к людям. Часто он трансформирует привычное театральное пространство, и зрители оказываются напрямую вовлечены в орбиту театрального действия. Настоящим культурным шоком стала его «Палата № 6» — один из самых популярных спектаклей конца 80-х. Спектакль получил большой международный резонанс, был с успехом показан на крупных театральных фестивалях во Франции, Швейцарии, Бельгии, Италии, Америке. На время спектакля сотни человек становились зачарованными соглядатаями, подглядывающими в щелки подлинный спектакль жизни: декорация этого необычного, шокирующего спектакля представляла собой грязный загон, окруженный стенами с большими щелями, сквозь которые сидевшие вокруг зрители наблюдали за происходящим. Еще одна интересная особенность этого спектакля заключалась в том, что актеры не произносили заранее написанного, фиксированного текста, это был спектакль-импровизация. «Мой спектакль рассказывает о вечном преследовании свободы человека, о том давлении, которое может быть оказано на человека не только здорового, но и исключительного» (Ю.И. Еремин).

Первые же спектакли Ю.И. Еремина в театре Пушкина – «Подонки» Я. Гловацкого (1987), «Бесы» по пьесе А. Камю, «Разбитое счастье» («Светит, да не греет») А. Островского и Н. Соловьева (1988), «Черный монах» по А.П. Чехову, «Эти свободные бабочки» (1991), «Эрик ХIV» Стриндберга (1992), «Призраки» Э. де Филиппо (1992) вызвали большой интерес театральной публики и привлекли в театр ценителей современного концептуального театра.

Народный артист России Валерий Баринов, пришедший в театр Пушкина по приглашению Еремина, проработал с 1988 по 1991 г., играя ведущие роли в спектаклях: «Палата №6″, «Разбитое счастье»(Рабачев), «Бесы» (Шатов), «Новое московское преступление» (Белоцветов), «Пациентка» (Доктор Фельдман), «Я — женщина» (Владимир Юрьевич), «Крик» (Бобков), «Дубровский» (Троекуров), «Любовь под вязами» (Кэббот), «Черный монах» (Монах). «Именно Еремин научил меня понимать, что же стоит за текстом, что в нем недосказано.<…> Я открыл для себя подводную часть театра, которая интереснее всего остального и которая захватывает умного зрителя» (В. Баринов о работе с Ю. Ереминым).

В спектакле «Бесы» по пьесе А. Камю «Одержимые» кроме ведущих артистов театра Пушкина – А. Ташкова (Верховенский), В. Баринова (Шатов), С. Мизери (Варвара Петровна), И. Бяковой (Даша), Н. Николаевой (Лебядкина) – были заняты актеры из других театров – Георгий Тараторкин (театр Моссовета) сыграл Ставрогина, а Николай Пастухов (театр Советской Армии) – отца Тихона. Художник Валерий Фомин создал для спектакля декорацию, где на глазах зрителей происходило буквальное разрушение «культурного слоя» эпохи — от уютной красоты и гармонии «Дворянского гнезда» к космическому хаосу, холоду и мраку.

«Режиссерское прозрение Еремина в том, что он собрал людей одной творческой группы крови. <…> Сам будучи создателем, сочинителем спектакля, Еремин сохранил в нем ярчайшие актерские работы — благодаря своей вере в актеров и любви к ним.» (Г. Тараторкин о спектакле).

Гоголевский «Ревизор» (1995) в постановке Ю. Еремина опять удивил своей злободневностью. Еремин выстроил своего «Ревизора» не по бытовой, а по мистической канве. «А. Пороховщиков сыграл Городничего, как отца родного, своего в доску распределителя, который живет сам и дает жить другим» (Л. Лебедина). «Гвоздицкий гениально сыграл Хлестакова — человека с патологией, шизика — и поразил рискованными трюками». (О. Феденков).

В «Повестях Белкина» (1997) Еремин намеренно ушел от попыток сделать прозаические шедевры Пушкина драмами — весь текст, включая диалоги, читает один актер. Четыре моноспектакля: «Выстрел», «Метель», «Гробовщик» и «Станционный смотритель» превратились в беседу за чаем, когда случайно сошедшиеся вместе и вынужденные ждать незнакомые люди никуда не торопятся, и потому с удовольствием слушают и с удовольствием рассказывают сами.

Приход Игоря Бочкина в 1996 году в Пушкинский театр стал значительным приобретением для театральной Москвы. Тот тип героя, которого выводит на сцену Бочкин, — активный, решительный «крепкий мужик», человек поступка, а не размышления — жизненно необходим театру.

В апреле 2001 года художественным руководителем Театра им. Пушкина стал заслуженный артист РФ, заслуженный деятель искусств РФ Роман Ефимович Козак. Его основная политика — приглашение режиссеров высокого уровня. «На большой сцене будут ставить маститые режиссеры, а на малой — молодые… Филиал должен стать полигоном для опытов, проб и ошибок. А на большой сцене надо попытаться сделать театральное событие со звездами и известными режиссерами» («Время новостей», 15 октября 2001 г.).

«Академия смеха» по пьесе К. Митани (2001) — первая работа Романа Козака в новом качестве — главного режиссера и художественного руководителя. Спектакль получил театральную премию «Чайка», номинацию на Государственную премию России и номинацию на всероссийскую театральную премию «Золотая маска». Несмотря на скрытый трагизм пьесы, виртуознейшая игра Андрея Панина и Николая Фоменко оказалась подлинной академией смеха, демонстрирующей все способы рассмешить публику. «В этой работе Козака есть изобретательность, вкус и точное чувство стиля. На зрителя обрушивается поток импровизаций. Для каждого эпизода придумано новое пластическое решение». («Время новостей»)

Для своего спектакля «Ромео и Джульетта» (2002) Козак выбрал новый перевод пьесы Шекспира, сделанный О. Сорока. Этот современный поэтический текст не «тормозит» эмоцию, а стимулирует ее развитие, помогая актерам сохранить искренность. Молодым артистам и режиссеру удалось избежать трагической тени, которая обычно ложится на весь спектакль от того, что финал всем известен. Главные роли сыграли студенты 3-го курса Школы-студии МХАТ, ученики Романа Ефимовича — Александра Урсуляк и Сергей Лазарев. После этого спектакля приток молодежи в театр стал постоянным. «Режиссер этого и хотел — делать не мощный философский спектакль, а молодежный и заводной» («Коммерсант»).

С 2001 года, благодаря руководству Романа Козака, Театр имени Пушкина прочно занимает ведущее место в рейтинге самых популярных театров Москвы.

Всего Козак поставил в Театре имени Пушкина 15 спектаклей, среди них был жаркий и страстный «Джан» по прозе Платонова, «Девичник club» – лекарство от печали, «гвоздь сезона» – «Оffиc», современная притча «Саранча». Последний спектакль – «Бешеные деньги» А.Н. Островского, чьи пьесы Роман Ефимович считал «высшей театральной математикой». «Театр имени Пушкина – место культурных событий» — такой была творческая программа Козака. Он оставался верен ей все 9 лет. И оставался верен себе – до конца делал свое дело, «точил свой камень». В одном из последних интервью он сказал: «Мне трудно ответить на вопрос, выполнил ли я программу «Театр Пушкина – место культурных событий», потому что эта программа абстрактна, хотя и вполне конкретна. Она ведь на века. Это цель, определяющая образ жизни театра». 11 мая 2010-го после премьеры спектакля «Бешеные деньги» он вместе с артистами вышел поклониться взорвавшемуся аплодисментами зрительному залу. 28 мая Романа Козака не стало.

В июне 2010 года художественным руководителем Театра имени А.С. Пушкина был назначен заслуженный артист России Евгений Писарев. Первым спектаклем в должности художественного руководителя стала современная версия Шекспира «Много шума из ничего» (2011). Следующая постановка – «Великая магия»(2012), в которой Евгений Писарев сам сыграл главную роль в блистательном дуэте с Виктором Вержбицким.

В спектаклях «Таланты и покойники» (2012) и «Женитьба Фигаро» (2014) на главную роль приглашен Сергей Лазарев, верный театру Пушкина со студенческой скамьи.

Евгений Писарев продолжает традицию своего предшественника, приглашая для постановок режиссеров высокого уровня:

«Мое желание – чтобы артисты работали с разными режиссерами, эстетиками и разным материалом. Я хотел бы, чтобы наш театр узнавали не по почерку, а по духу, по атмосфере… Зритель говорит, что приходит в театр Пушкина удивляться. Роман Самгин – ученик Марка Захарова, приверженец общедоступного, праздничного театра– поставил у нас «Доходное место». А Владимир Мирзоев — «Вишневый сад» – его совсем не назовешь общедоступным. Актеры влияют в такой же степени на Бутусова, Самгина и Доннеллана, в какой и режиссеры влияют на них».

Для постановки известной пьесы Б.Брехта «Добрый человек из Сезуана» в 2013 году был приглашен один из самых ярких современных режиссеров — Юрий Бутусов. Александра Урсуляк, исполнившая в спектакле главную роль Шеен Те, стала лауреатом премий «Хрустальная Турандот» и «Золотая маска», а сама постановка была номинирована на национальную премию «Золотая Маска 2013» в пяти номинациях и стала лауреатом премии СТД «Гвоздь сезона 2013».

Одним из самых значимых работ Евгения Писарева стал спектакль-посвящение «Камерный театр – 100 лет», поставленный к юбилею легендарного Камерного театра, в здании которого сейчас находится Театр имени Пушкина. Спектакль был создан как память и дань создателю театра Александру Таирову и его музе, актрисе Алисе Коонен. Пьесу, основанную на документальном материале – письмах, дневниках, фрагментах спектаклей Камерного театра – написала Елена Гремина. В Юбилейном вечере приняла участие практически вся труппа театра. Этот спектакль, показанный всего один раз (25 декабря 2014 года, в день столетия Камерного театра), сплотил все поколения актеров театра Пушкина и стал одним из самых знаковых событий года. Именно этим спектаклем Евгений Писарев показал, что Театр Пушкина имеет сильнейшую и интереснейшую труппу, способную осуществить любые, даже самые смелые, эксперименты, а сам он – вполне сложившийся серьезный драматический режиссер. «Когда мы сделали «Спектакль-Посвящение», стало ясно, что почти каждый из современных художников очень лично воспринял эту историю, независимо от той сферы, в которой он творит…»(Е. Писарев «В советах с Таировым», «Сцена», №2 2015.)

Запись спектакля-посвящения транслировалась по телеканалу «Культура», что позволило миллионам зрителей прикоснуться к этой великой истории, а сам спектакль стал лауреатом Театральной премии газеты «Московский Комсомолец» как «Акция года» и Премии Олега Табакова и Премией города Москвы в области литературы и искусства.

Отдельной строкой новейшей истории театра им. Пушкина стали спектакли режиссера-хореографа Сергея Землянского: «Материнское поле» (2012), «Дама с камелиями» (2013) и «Жанна Д’Арк» (2015). Эти постановки позволили театру раскрыть пластический потенциал труппы и, кроме того, стать участником программы «Услышь меня» (театр, дружелюбный по отношению к неслышащим зрителям). «Телесная выразительность — невозможно в ней соврать. И зритель чувствует это на уровне инстинктов, подсознательно, с точки зрения психофизики, пластики. В этом смысл пластической драмы».

Постановка Шекспировской «Меры за меру» режиссера Деклана Доннеллана (совместная постановка с британской театральной компанией «Cheek by Jowl»), была номинантом на национальную премию «Золотая Маска 2014» в пяти номинациях и принесла театру имени Пушкина международный успех, заставив говорить о нем за рубежом. Англия, Франция, Испания, США, Латвия, Эстония — везде принимают на ура. «Следовало бы упомянуть каждого из артистов, настолько они этого заслуживают. Они сильны и точны и умеют переходить от смешного к тяжелому! Поаплодируем театру, выполнившему самую прекрасную функцию: просветлять» — пишет Armelle Heliot (Le Figaro).

В 2014 году в филиале театра по эксклюзивной договорённости с Samuel French Company режиссер Алексей Франдетти поставил мюзикл Питера Экстрома «Рождество О.Генри». Впервые рассказы американского классика представлены в новом для российской публики жанре – камерного мюзикла. Спектакль в шести номинациях был номинирован на национальную премию «Золотая Маска 2015», Алексей Франдетти назван лучшим в категории «Оперетта / Мюзикл», а Тимофей Рябушинский стал победителем в номинации «Лучшая работа художника в музыкальном театре».

Самая громкая премьера 66 сезона в Театре имени Пушкина – «Дом, который построил Свифт» по одноименной пьесе Григория Горина в постановке Евгения Писарева. Это вновь «командный» спектакль, в котором занято более 20-ти артистов разных поколений, но в котором каждому из актеров автор и режиссер дали свое «соло». Спектакль, призванный показать зрителю качественно новый уровень режиссуры и актерской игры, стал результатом пятилетнего пути развития театра под художественным руководством Евгения Писарева и одной из самых обсуждаемых премьер этого года, лауреатом премии «Хрустальная Турандот» и «Лучший спектакль большой сцены» по версии МК.